viernes 11 de diciembre de 2009

El romanico fuera de lugar, traslado de pinturas murales

Con mucha frecuencia la pintura románica se encuentra completamente descontextualiza, esas pinturas que fueron pensadas y realizadas para ser contempladas en pequeñas iglesias rurales, en grandes monasterios o centros de peregrinas, se arrancaron de sus muros y se trasladaron a las salas de museos . El objetivo era salvarlas del deterioro que podía sufrir, puede ser que muchas de ellas se hayan salvado de la desaparición, pero también es cierto que ha sido a costa de la pérdida del patrimonio de esas zonas, normalmente rurales.






La musealización de los frescos románicos comenzó en Cataluña a inicios del siglo XX, cuando entre 1919 y 1923 la Junta de Museus inició una campaña de documentación y salvación de las pinturas de las iglesias del románico rural pirenaico, al saber que muchos de ellos podían ser vendidos a coleccionistas privados, sobre todo norteamericanos. Uno de los promotores y estudiosos de la pintura románica catalana fue el arquitecto modernista Domenech i Montaner, que realizó varias campañas de estudios por el Pirineo documentado los principales ábsides, trabajo que será continuado por el también arquitecto Puig i Cadafalch. Como resultado de estos estudios, se llevaron a Barcelona obras tan fundamentales como los frescos de San Clemente de Tahull, de Santa María de Tahull,… instalándose las colecciones de pintura románica en el Palacio Nacional de Montjuic, germen del futuro Museo Nacional de Arte de Cataluña.


El procedimiento de arranque de los frescos fue posible gracias al desarrollo de la llamada técnica del strappo, por el italiano Franco Steffanoni; que consiste en extraer las pinturas de su soporte original en el muro, para traspasarlas a un soporte de tela, que sirve para transportar la capa pictórica a un nuevo emplazamiento ; para hacer lo se aplican sobre las pinturas dos capas de tela de algodón con cola orgánica, que al secarse queda adherida a la pintura, para luego proceder a arrancar la capa pictórica de su base en el muro. Una vez trasladadas a las telas, éstas se enrollaron y a lomos de caballerías se llevaron a la estación de tren más cercana. Cuando ya están en el museo se instalan adoptando la disposición original sobre una estructura de madera y escayola.



En otras partes de España también se arrancaron pinturas murales de su ubicación original, dos de los casos más conocidos son los de las pinturas de San Baudelio de Berlanga en Soria y de la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo en Soria. En el primer caso se trata de uno de los ejemplos más graves de abandono del patrimonio artístico, el conjunto de pinturas abarcaba frescos desde el siglo XI al XII; en 1922 fueron vendidas (por 60.000 de las pesetas de entonces) a un marchante norteamericano, lo que provocó la movilización de los vecinos de esta zona aislada de Soria, el proceso de venta se paró hasta 1925, cuando la Dirección General de Bellas Artes autorizó la salida del país de unas obras de arte únicas en Europa, acabando finalmente en el Metropolitan Museum de Nueva York, expuesta como una de sus obras más destacadas, y en otros museos norteamericanos (Museo de Artes de Indianapolis, el de Boston, Cincinati) El expolio no sólo consistió en su salida de su lugar de origen, sino en su reparto y montaje completamente aleatorio. En 1957 el gobierno de Franco, en el contexto de la recuperación de las relaciones diplomáticas con Estados Unidos, se llegó a un acuerdo para la devolución parcial de las pinturas, pero a cambio de la iglesia románico de San Martín de Fuentidueña expuesta en el Metropolitan Museum, sección The Cloisters, junto con otras obras del románico español como el claustro de S. Miguel de Cuxa. Las pinturas devueltas a España en lugar de regresar a su lugar en la ermita de San Baudelio quedaron instaladas en el Museo del Prado.




En el Museo del Prado se instalaron también los murales de la Veracruz de Maderuelo arrancados en 1950, y cuyo estilo se vincula con el maestro de Tahull. En este caso se trata de un pequeño ábside de planta rectangular cubierto con bóveda de medio cañón en la que se representa el típico Pantocrator dentro de la mandorla. En los laterales se representa la corte de santos y ángeles . En la cabecera la imagen del Córdero Místico, debajo del cual María Magdalena lava los pies a Cristo y en el otro lado la Virgen con el Niño con uno de los Reyes Magos. Sobre el arco de entrada se halla una de las escenas más logradas, la creación de Eva, uno de los escasísimos ejemplos de desnudos medievales



En la actualidad los criterios de conservación y restauración son completamente diferentes, se trata de mantener la obra en su contexto, ya que éste es parte de ella misma, y su interpretación correcta depende de su contemplación en el espacio para el que fue creada. Debido a esta idea se intenta restituir los frescos a su lugar original a través de las actuales técnicas fotográficas, como podeís ver en este video sobre la reproducción de las pinturas de Santa Maria de Mur arrancadas en 1919 y llevadas al Museo de Bellas Artes de Boston.



Si entrais es este enlace teneis otro video es un pequeño fragmento de la serie que la 2 emitio sobre el Románico presentada y dirigida por Peridis, en este caso centrado en la iglesias del Boí , y las campanas de estudios que he comentado y que los primeros arranques de murales a comienzos del siglo XX, y los estudios que realizo sobre las Domenech i Montaner. En este otro enlace se puede hacer una visita virtial 3D al conjunto del Boí, y que incluye además la explicación de las técnicas de transferencia, como el strappo



¿Crees qué fue correcto el traslado de murales románicos? ¿Hay algún caso en el que estaría justificado? Da tu opinión

martes 8 de diciembre de 2009

El premio Turner, la polémica anual


En estos días se ha presentado el ganador del premio Turner, y esta suele ser una buena ocasión para debatir sobre el presente y el futuro del Arte. El premio  Tuner se  creó a mediados a los años ochenta (1984),  por una de los instituciones más prestigiosas del mundo artístico británico, la Tate Gallery, y está pensado para promocionar a artistas no consagrados y a desarrollar  nuevas propuestas de expresión artística. Cuenta ademas de  con una importante dotación económica con la organización de exposiciones y de un impacto mediático de alcance mundial. Desde sus primeras convocatorios has sido sumamente polémico, por concederse a artistas claramente rompedores de todo tipo de convencionalismo y por convertirse en ocasiones en un espectáculo paralelo al arte.
El premio Turner y actividades de coleccionistas como Saachy & Saachti están detrás del movimiento de los llamados “Young British”, un grupo de artistas británicos relativamente jovenes, que se caracterizan por arte intencionadamente rompedor, provocativo, por el empleo de un lenguaje artístico de une diferentes elementos, desde la instalación al video arte, la escultura, las artes escénicos, y que incluye en sus obras temas de actualidad desde una perspectiva crítica, el más emblemático de este grupo es Damian Hirst, vencedor del premio Turner en 1995. 
Este año la opción parece ser menos transgresora, el vencedor ha sido  Richard Wright con una obra que recupera la tradición de la pintura. Podéis ver la cobertura de la noticia en El País, 
Vamos a hacer un repaso por los vencedores y candidatos más discutidos de estos años:





1986: Gilbert & George: Coming




1988 Tony Cragg: George and the Dragon




1991: Anish Kaapor: Untiteled




1995: Damian Hirst. Mother and Son, divided




1998: Chris Ofili. No woman, no cry




1999: Tracy Emin (finalista) My Bed




2001: Martin Creed:  Work, no. 227, on and off




2003 Grayson Perry, vases

Dad vuestra opinión, ¿Es esto arte? ¿Qué tipo de arte? ¿Donde estaría el límite? Investigad algo sobre alguna de estas obras y sobre la ganadora de este año.

domingo 6 de diciembre de 2009

Portada de Moissac



San Pedro de Moissac es uno de los monasterios franceses más conocidos y con una historia más larga. Se fundó en el siglo VII, aunque en los siglos posteriores fue destruido y saqueado en varias ocasiones,  hasta encontrar  completamente en ruinas  a mediados del siglo XI. En Odilón, abad del influyente monasterio de Cluny, emprende la reconstrucción de la abadía colocando a Durand como abad. Fue éste quien llevó a cabo las obras que se completaron en 1063, aunque posteriormente la iglesia fue sustituida por una gótica.
La portada de Moissac es uno de los ejemplos más notables de la escultura románica francesa, se debió completar entre 1110 y 1115, y ya en su época debió ser considerada una obra especialmente destacada, puesto que se decidió conservarla cuando se derribó la iglesia románica para levantar la gótica. En las crónicas de la época, como la del abad Aymeric, se le califica de “pulchrerrimum et bustilissimi operis constructum”
Arquitectónicamente sigue el modelo típico de portada, alojada en el grueso muro, donde se desarrolla el programa iconográfico en jambas, tímpano y arquivoltas, tan sólo de diferencia de otros ejemplos en el reducido abocimento, por lo que tiene el aspecto de un pequeño tramo de bóveda, ligeramente apuntada.
El tímpano es el lugar preferente de la decoración románica, donde se intenta concentrar la atención del fiel, desarrollando un amplio programa catequético, de difusión del dogma oficial de la iglesia. Como en otros casos este se centra en el tema del Apocalipsis, siguiendo los textos de las visiones de S. Juan, aunque también hay referencia a otros libros bíblicos, como el de Jeremías o de Ezequiel. 

“ ... tuve unas visión. He aquí que una puerta estaba abierta en el cielo y la voz me dijo: Sube aquí y te mostraré lo que va a suceder. al instante caí en éxtasis y he aquí que había en el cielo un trono y sobre el trono uno sentado. El que estaba  sentado tenía el aspecto semejante al del jaspe y a la cornalina; y un arcoiris alrededor del trono de aspecto semajante a la esmeralda. Vi veinticuatro tronos alrededor del trono y sentados en los tronos a veinticuatro ancianos con vestiduras blancas y coronas de oro sobre sus cabezas. Del trono salen relámpagos y fragor y truenos, delante del trono ardían siete antorchas de fuego, que son los siete espíritus de Dios. En medio del trono y en torno al trono cuatro vivientes llenos de ojos por delante y por detrás. EL primer viviente era como un león, el segundo como un novillo, el tercero tiene un rostro como de hombre, y el cuarto es un águila en vuelo. Los cuatro vivientes tienen cada uno seis alas, están llenos de ojos y repiten sin descanso: Santo, Santo, Santo es el Señor Dios Todopoderoso...  Vi también en la mano derecha del que está sentado en el trono un libro escrito por el anverso y por reverso, sellado con siete sellos, y vi un ángel que proclamaba: ¿Quién es digno de abrir el libro y soltar sus sellos?”
Apocalipsis S. Juan , 4,5




Esta es la fuente literaria en la que se inspira el programa del tímpano de Moissac, aunque su antecedente esta en las miniaturas de los beatos mozárabes hispánicos, ( beatos era como se conocían  al Apocalipsis hechos por Beato de Liebana, que tuvieron gran difusión en la Europa Medieval)



Esta simbología se completaba con la de las jambas en la que aparece el profeta Isaias, que habían profetizado el nacimiento de  Cristo y S. Pedro, su sucesor. En el parteluz aparecen las seis leonas de la revelación y uno de los cuatro videntes ( Isaías, Ezequiel, Daniel y Juan). En los laterales de la portada se añadieron, posiblemente por otro taller,  unos relieves que completan la  función catequética del conjunto, a la izquierda escenas de la infancia de Jesús  (Epifanía, Presentación en el Templo, Huida a Egipto...) y a la derechas representación de vicios y pecados, especialmente de la avaricia y de la lujuria, como avisos para alcanzar la salvación, la representación de la lujuria repite un modelo común, una mujer desnuda con serpientes devorando sus pechos y un sapo mordiendo el sexo.



En todos los casos nos encontramos con las características habituales de la plástica románica, convencionalismo y repetición de las formas, estricta ley de adaptación al marco, representación jerárquica de los figuras, geometrización ,abstracción y huida del naturalismo, como expresión del deseo de representar una realidad ajena a lo sensible, cierto gusto por el horror vacui... Todo buscando una estética que se aparta de forma consciente de la clásico, para encontrar una vía más directa de transmitir un mensaje religioso, pero también social y económico, pues en cierta forma el Pantocrator no es sino el reflejo del poder feudal de señores y de la propia iglesia, un poder al que hay que someterse, aceptado su normas y valores, para alcanzar la salvación.











viernes 4 de diciembre de 2009

El nuevo misterio

Bien podría haber sido el escenario de las aventura de Adso de Melk, de hecho el nombre de uno de sus personajes hace referencia a él. No muy lejos nació un santo con perro,y no podría faltar en este misterio un chorro que a las estrellas casi alcanza y un mastil de soledad.

Esta vez no me conformo con el nombre del sitio, quiero más, que vosotros podeís. Explicadme todas las referencia y comentad algo de la impotancia del lugar,no sólo artística.

jueves 3 de diciembre de 2009

Videos y fotos sobre la Catedral de Santiago







Actualmente se está realizando un complejo proyecto de restauración del Pórtico de la Gloria, que no se prevé que acaba antes del 2010, aquí os dejo unos fotos tomadas desde los andamios que dan una nueva perspectiva al conjunto, sacada del periódico "La Voz de Galicia". Hay más fotos en la página de la Fundación Pedro Barrie de la Maza que financia la intervención.  Para ver el programa iconográfico completo del Pórtico en esta página tenéis una buena explicación, y sobre el desarrollo del programa de restauración este blog hace un seguimiento de los trabajos














Las obras permitirán recuperar la policromía original que se perdió con el paso del tiempo y con intervenciones poco afortunadas como la realización moldes de escayola para hacer la replica que actualmente está en el Victoria & Albert Museum de Londrés,









martes 1 de diciembre de 2009

Escultura y pintura románicas

lunes 30 de noviembre de 2009

Arte Etiope: las iglesias de Lalibella


Europa no fue el único lugar donde se desarrolló arte cristiano durante la Edad Media, Etiopía en el corazón de África es uno de los países donde la tradición religiosa cristiana es más antigua, mucho más que en algunos territorios de Europa Occidental. La llegada del cristianismo se produjo en los primeros siglos, a través de monjes de origen sirios seguramente. En el siglo IV el reino de Axum ya se había convertido, manteniendo desde entonces su independencia y su propio desarrollo, vinculado en ocasiones a la iglesia copta egipcia. La base doctrinal de la fe es algo más amplia que la de otras iglesias, ya que incluyen algunos libros del Antiguo Testamento considerados apócrifos y mantiene fuertes vínculos con la tradición judaica (los falashas son los judios etiopes), Sus textos sagrados están escritos en amárico, uno de los alfabetos más antiguos. Durante siglos fue la única iglesia cristiana de África, vista desde Europa dentro de la leyenda del país del Preste Juan, y no fue hasta el siglo XV con la llegada de misioneros y comerciantes portugueses que se empezó a conocer realmente.



El patrimonio artístico que en todo este tiempo se ha sido desarrollando es amplísimo y de gran importancia, no sólo por su valor histórico sino sus cualidades estéticas propias, muchas de ellas equiparables perfectamente a las occidentales. Contemporáneas al desarrollo del románico en Europa Occidental se construyeron un conjunto de iglesias en la zona de Lalibela, uno de los conjuntos de arte etiope más destacado, el principal centro de peregrinación y actualmente declaradas patrimonio de la Humanidad.. Se trata de un conjunto de iglesias monásticas, la mayoría excavadas en la roca. Fueron construidas el siglo XII por el rey Lalibella, que vio en un sueño once iglesias excavadas en la roca que reproducían supuestamente las de Jerusalen, aunque lo más posible es que debiera a la llegada de refugiados coptos procedentes del Egipto musulmán.
El conjunto de iglesias simbólicamente hace referencia a Tierra Santa, incluso las atraviesa un pequeño arroyo como si fuera el rio Jordán.


En total Lalibela cuenta con once iglesias, distribuidas en varias agrupaciones principales separadas por el canal Yordanos, pero comunicadas por túneles, pasadizos y zanjas. En el grupo situado más al norte destacaría Bete Medhane Alem (Casa del Salvador del Mundo), que alberga la Cruz de Lalibela y que se cree que es la iglesia monolítica más grande del mundo, cuenta con cinco naves y se cree podría ser una réplica de la catedral de Santa María de Sión en Aksu, destruída en 1535 por los invasores musulmanes. También al norte estarían las iglesias de Bete Maryam (Casa de María), probablemente la más antigua, Bete Golgotha de la que se dice que contiene la tumba del Rey Lalibela, la Capilla Selassi y la Tumba de Adán.



 

En el grupo más al oeste destaca Bete Giyorgis (Casa de San Jorge), cuya planta en forma de cruz se puede contemplar desde lo alto de la roca, con unas dimensiones de 25x25 metros y 30 metros de altura (o produndidad), es una de las más bellas y mejor conservadas. El grupo del Este estaría formado por Bete Amanuel (Casa de Emmanuel), posiblemente la antigua capilla real, Bete Merkorios que podría haber sido una prisión y Bete Grabriel-Rufael (Casa de Gabriel y Rafael) que podría haber sido el antiguo palacio real. Algunas de estas iglesias contienen pinturas murales de gran belleza.
Las artes figurativas se caracterizarán por el uso de colores vivios, la tendencia a la abstracción con gran influencia de la plastica de los iconos bizantinos